La texture nell’arte diventa materia, luce ed emozione attraverso una superficie da osservare
La texture nell’arte come punto di partenza
Nel percorso della mia ricerca, la superficie è diventata progressivamente qualcosa di molto più importante di ciò che appare a un primo sguardo.
All’inizio può sembrare soltanto una caratteristica della materia: una superficie ruvida, un rilievo, un’incisione, una sovrapposizione. Ma lavorando nel tempo ho iniziato a comprendere che proprio questi elementi potevano modificare profondamente il modo in cui un’opera viene percepita.
È stato un passaggio naturale rispetto alle riflessioni che hanno accompagnato i capitoli precedenti del mio percorso.
Prima mi sono interrogata sul rapporto tra ciò che vediamo e ciò che rimane invisibile. Poi sulla materia, sulla traccia, sulla memoria e sulle trasformazioni che il tempo lascia sulle superfici.
La ricerca mi ha portato quindi a soffermarmi sempre di più su un elemento apparentemente secondario, ma in realtà capace di modificare l'intera esperienza dell'opera: la texture.
Ho iniziato a guardarla non più soltanto come una qualità della superficie, ma come una possibilità espressiva.
Quando la superficie inizia a parlare
Una superficie non è mai completamente neutra.
Può essere liscia oppure irregolare, compatta oppure attraversata da segni. Può assorbire la luce o rifletterla, creare ombre leggere oppure profonde.
Sono differenze che spesso percepiamo prima ancora di riuscire a descriverle.
È proprio questo aspetto che mi interessa.
Prima ancora che l'osservatore riconosca un soggetto o interpreti un'immagine, può entrare in contatto con una sensazione generata dalla superficie.
Una texture ruvida può trasmettere energia.
Una superficie più morbida può suggerire una sensazione di quiete.
Un'incisione profonda può richiamare il passaggio del tempo.
Una serie di sovrapposizioni può suggerire la complessità della memoria.
In questo senso, la texture nell’arte possiede un linguaggio che non ha bisogno necessariamente di essere tradotto in parole.
È un linguaggio fisico e percettivo.
La ferita 2003
La materia nell’arte tra segno, rilievo e memoria
Questa consapevolezza ha modificato anche il mio modo di osservare la materia.
Quando lavoro su una superficie, non considero soltanto ciò che voglio rappresentare, ma anche ciò che quella superficie può restituire attraverso il segno.
Il segno può essere netto oppure appena percettibile.
Può interrompersi, sovrapporsi, lasciare una traccia.
Può diventare una presenza oppure suggerire un'assenza.
È qui che la materia torna a collegarsi alla memoria.
Una superficie conserva infatti qualcosa del proprio attraversamento. Ogni intervento modifica quello che c'era prima e prepara il terreno per ciò che arriverà dopo.
La stratificazione diventa così una forma di racconto.
Non racconta necessariamente una storia precisa, ma conserva passaggi, cancellazioni, sovrapposizioni e trasformazioni.
È una memoria che non viene raccontata attraverso le parole, ma attraverso la materia.
La luce cambia ciò che vediamo
C'è poi un altro elemento fondamentale: la luce.
Un rilievo non appare mai nello stesso modo se cambia l'incidenza della luce. Una piccola incisione può diventare evidente oppure quasi scomparire. Un'ombra può accentuare un segno oppure renderlo più delicato.
Per questo la superficie non è qualcosa di immobile.
Continua a cambiare insieme a chi la osserva e alle condizioni in cui viene osservata.
Questo aspetto mi interessa particolarmente perché introduce nell'opera una dimensione che non posso controllare completamente.
La luce interpreta la materia.
L'occhio dell'osservatore completa questa interpretazione.
E ciò che emerge è ogni volta leggermente diverso.
E' lì che le cose si muovono continuamente 2005
La percezione dell’opera nasce anche dai dettagli
Con il procedere della ricerca ho compreso che anche il più piccolo dettaglio può modificare il rapporto tra l'opera e chi la osserva.
Da lontano si può percepire l'insieme.
Avvicinandosi emergono invece particolari che inizialmente non erano visibili.
Un segno.
Una variazione della superficie.
Un'incisione.
Una sovrapposizione.
Un'ombra.
È in quel momento che cambia anche il ritmo dell'osservazione.
L'opera non viene più semplicemente guardata.
Viene esplorata.
Questo è uno degli aspetti che considero più importanti nel mio rapporto con la materia: creare le condizioni perché lo sguardo possa fermarsi, invece di attraversare velocemente la superficie.
In un tempo nel quale siamo continuamente abituati a scorrere immagini, fermarsi davanti a un'opera e osservarne i dettagli diventa quasi un gesto controcorrente.
Avvicinarsi all’opera significa cambiare prospettiva
Mi piace pensare che alcune opere chiedano una distanza variabile.
Da lontano mostrano una presenza complessiva.
Da vicino rivelano una dimensione più intima.
È un meccanismo che ritrovo anche nella ricerca sul monotipo e sul monoprint, dove la traccia, la pressione, il trasferimento e l'imprevedibilità del procedimento possono lasciare sulla superficie risultati che acquistano significato proprio attraverso i dettagli.
Il particolare non è quindi un'aggiunta.
Fa parte del racconto.
E spesso è proprio ciò che inizialmente sembra secondario a permettere all'osservatore di stabilire un rapporto più profondo con l'opera.
Camminerò 2013
La texture come scrittura silenziosa
A un certo punto della mia ricerca ho compreso che non potevo più considerare la texture come un semplice effetto decorativo.
Era diventata parte del contenuto.
Una forma di scrittura silenziosa.
Ogni rilievo guida la luce.
Ogni incisione introduce una variazione.
Ogni sovrapposizione aggiunge un livello.
Ogni irregolarità modifica la percezione.
Questa idea ha cambiato il modo in cui guardo una superficie.
Non mi interessa soltanto ciò che l'occhio riconosce immediatamente, ma anche ciò che emerge lentamente.
La texture può suggerire una sensazione prima ancora di offrire un significato.
Può creare una tensione, una pausa, una profondità.
Può far pensare alla fragilità oppure alla resistenza.
Può richiamare qualcosa di vissuto senza necessariamente rappresentarlo.
In questo senso, la materia diventa un ponte tra ciò che vediamo e ciò che sentiamo.
Dalla materia all’emozione dell’opera
Il passaggio dalla materia all'emozione non è quindi qualcosa che considero separato dal mio lavoro.
È proprio attraverso la materia che cerco di costruire una relazione con chi osserva.
Una superficie può attirare lo sguardo.
Un segno può trattenerlo.
Un dettaglio può incuriosire.
Una variazione può generare una sensazione.
È un processo graduale.
Per questo non penso all'emozione nell'arte come a qualcosa che debba essere imposto all'osservatore.
Preferisco che possa nascere dall'incontro.
L'opera propone.
Chi osserva completa.
È una relazione che cambia da persona a persona, perché ciascuno porta davanti a un'opera la propria memoria, la propria sensibilità e il proprio modo di guardare.
Leggere segni 2023
Un’opera non si esaurisce nel primo sguardo
Questa è forse la consapevolezza più importante a cui mi ha condotto la ricerca sulla texture.
L'opera non si offre necessariamente completamente al primo sguardo.
Può avere bisogno di tempo.
Può chiedere di essere osservata da una certa distanza e poi da vicino.
Può rivelare qualcosa dopo alcuni minuti che prima non avevamo notato.
Ed è proprio questo tempo dell'osservazione che considero prezioso.
Perché anche le relazioni più autentiche hanno bisogno di tempo per essere comprese.
La texture come parte del mio percorso di ricerca
Guardando oggi il percorso compiuto, riconosco un filo che unisce molte delle domande che hanno accompagnato la mia ricerca.
Il visibile e l'invisibile.
La materia.
La traccia.
La memoria.
Il tempo.
La trasformazione.
E ora la texture.
Non considero questi elementi come capitoli separati, ma come parti di una stessa ricerca.
La superficie è il luogo nel quale molte di queste dimensioni possono incontrarsi.
È visibile, ma può suggerire ciò che non si vede.
È materia, ma può diventare memoria.
È segno, ma può trasformarsi in emozione.
È presente, ma porta con sé qualcosa del tempo.
Questa continuità è importante perché mi permette di non considerare la ricerca come una successione di esperimenti isolati, ma come un percorso nel quale ogni domanda genera quella successiva.
La texture è arrivata così: non come un nuovo tema da aggiungere, ma come una conseguenza naturale dell'attenzione sempre maggiore verso la materia e verso ciò che una superficie può raccontare.
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Credo che il valore di un'opera non risieda soltanto in ciò che mostra, ma anche in ciò che riesce a far emergere dentro chi la osserva.
Per questo considero la texture una parte essenziale del mio linguaggio: perché attraverso la materia, la luce, il segno e le sovrapposizioni può nascere una relazione più lenta e consapevole con l'opera.
Forse è proprio questo che mi interessa maggiormente: lasciare allo sguardo uno spazio nel quale fermarsi.
Mi piacerebbe sapere come vivete voi questo rapporto con la superficie.
Una texture vi trasmette una sensazione prima ancora di permettervi di comprendere ciò che state osservando?
Lasciate un commento e condividete il vostro punto di vista.
Se invece desiderate approfondire il mio percorso, conoscere le opere disponibili o parlare direttamente con me, potete contattarmi su WhatsApp al 338 272 3286 oppure scrivere a info@saramontani.com.