Il segno racconta la materia: una ricerca tra texture, memoria e sperimentazione artistica nell'arte contemporanea
Ci sono momenti in cui il percorso di un artista cambia direzione senza che questo avvenga in modo improvviso. Non è una scelta netta, ma un'evoluzione lenta, fatta di domande, tentativi e continue verifiche. Ripensando agli anni trascorsi in Accademia e a quelli immediatamente successivi (1975/95), riconosco proprio in quel periodo uno dei passaggi più importanti della mia ricerca.
Se nei precedenti racconti ho condiviso il valore del segno, dell'impronta e della memoria, oggi desidero soffermarmi su ciò che ha reso possibile tutto questo: l'incontro con la materia.
È stato allora che ho iniziato a comprendere come ogni materiale possedesse una propria voce. Bastava ascoltarla.
La materia come linguaggio
Sin dagli ultimi anni dell'Accademia sentivo il bisogno di allontanarmi dall'idea che ogni tecnica dovesse seguire regole rigide e consolidate. Mi attirava tutto ciò che appariva distante dalla tradizione pittorica più convenzionale.
Per questo iniziai a sperimentare materiali apparentemente incompatibili tra loro: gesso, stucco, segature, colle, plastiche, chine, ecoline e acquerelli. Ognuno possedeva caratteristiche differenti. Alcuni erano densi e corposi, altri trasparenti e fluidi. Metterli in dialogo significava creare un equilibrio continuamente messo alla prova.
Non cercavo effetti spettacolari.
Cercavo risposte.
Ogni miscela produceva risultati diversi. Bastava modificare una quantità, cambiare il tempo di asciugatura oppure intervenire sulla superficie in un momento differente perché tutto assumesse un carattere nuovo. Era impossibile prevedere completamente il comportamento della materia.
Ed era proprio questa imprevedibilità ad affascinarmi.
La ricerca artistica, almeno per me, non è mai stata la ricerca del controllo assoluto. Al contrario, nasce dall'incontro fra ciò che immagino e ciò che il materiale decide di restituire.
In quel dialogo prendevano forma superfici che sembravano vivere di una propria energia.
Quando il caso diventa ricerca
Molti pensano che sperimentare significhi affidarsi al caso.
La mia esperienza è stata diversa.
Ogni prova nasceva da un'idea precisa, ma lasciava spazio all'imprevisto. Non cercavo l'errore, cercavo ciò che ancora non conoscevo.
Lavorando con materiali assorbenti e superfici irregolari iniziai ad accorgermi che la texture non era soltanto un elemento estetico.
Era già racconto.
Ogni increspatura, ogni rilievo, ogni piccola frattura modificava il modo in cui la luce attraversava l'opera. La superficie smetteva di essere un semplice supporto e diventava una presenza viva.
Fu allora che iniziai a comprendere quanto il tempo fosse anch'esso un materiale.
Il tempo lasciava tracce.
Il tempo costruiva memoria.
Il tempo trasformava la materia.
Ed io desideravo renderlo visibile.
Il fascino del graffio
Fra tutte le sperimentazioni di quegli anni, una delle più significative riguardava il graffio.
Quando la superficie gessosa iniziava ad asciugarsi intervenivo con strumenti insoliti, spesso lontani dagli utensili tradizionalmente associati alla pittura.
Non mi interessava incidere semplicemente la superficie.
Volevo ascoltare ciò che emergeva da quel gesto.
Ogni solco modificava il percorso del colore. I pigmenti penetravano all'interno delle incisioni creando effetti impossibili da ottenere con il solo pennello.
Il segno non era più soltanto disegno.
Diventava una presenza fisica.
Una traccia concreta.
Una memoria impressa nella materia stessa.
Fu probabilmente in quei momenti che iniziai, senza ancora esserne pienamente consapevole, a costruire quel linguaggio che negli anni successivi avrebbe trovato nella stampa calcografica una naturale evoluzione.
Non si trattava di un cambiamento improvviso.
Era un percorso che stava lentamente prendendo forma.
La superficie conserva la memoria
Con il passare del tempo mi resi conto che la materia non era soltanto un mezzo attraverso cui esprimere un'idea. Era essa stessa capace di raccontare.
Ogni superficie custodiva una storia fatta di gesti, attese, trasformazioni. Le screpolature, le porosità, le increspature e le zone più levigate non erano imperfezioni da eliminare, ma elementi che contribuivano a costruire il significato dell'opera.
Fu in quel periodo che iniziai a guardare la natura con occhi diversi.
Una corteccia, una pietra consumata dall'acqua, la sabbia modellata dal vento o una foglia attraversata dalle sue nervature non erano semplicemente forme belle da osservare. Diventavano esempi straordinari di come il tempo lasciasse continuamente la propria impronta.
La natura non aggiunge.
La natura incide.
E ogni incisione racconta un passaggio.
Compresi allora che anche il mio lavoro poteva seguire quello stesso principio: lasciare che il tempo, la materia e il segno dialogassero fino a trovare un equilibrio spontaneo.
L'oggetto come presenza e memoria
Siamo negli anni 1992-95: avevo lasciato l’insegnamento e la curiosità del “cercare” era frenetica. In quegli anni iniziarono ad entrare nelle opere piccoli oggetti raccolti durante il cammino. O da tempo conservati gelosamente nel cassetto delle cianfrusaglie: chiavi, conchiglie, bottoni, cortecce…
Non li sceglievo per il loro valore estetico.
Li sceglievo perché custodivano una storia.
Una conchiglia, un frammento, un elemento naturale, una traccia apparentemente insignificante possedevano la capacità di evocare esperienze, luoghi e incontri molto più di qualsiasi rappresentazione descrittiva.
L'oggetto non interrompeva il racconto dell'opera.
Ne diventava parte integrante.
La sua presenza trasformava la superficie in uno spazio di relazione, dove ciò che apparteneva alla realtà quotidiana veniva accolto senza perdere la propria autenticità.
Osservando oggi alcune opere di quel periodo riconosco proprio questo desiderio: non portare semplicemente un oggetto dentro l'opera, ma permettere all'opera di ascoltare ciò che quell'oggetto aveva da raccontare.
La conchiglia, ad esempio, non rappresenta il mare.
Ne custodisce il ricordo.
La sua presenza non descrive un paesaggio, ma richiama un'esperienza vissuta, il trascorrere del tempo, il viaggio, il silenzio, l'incontro tra l'uomo e la natura.
È una memoria che continua a parlare anche quando il mare non è più davanti ai nostri occhi.
Il valore delle texture
Con il procedere della ricerca si chiarì anche il concetto che le texture possedevano un linguaggio loro, universale.
Prima ancora che l'osservatore riconoscesse un soggetto, percepiva una sensazione.
Le superfici ruvide trasmettevano energia.
Quelle più morbide suggerivano quiete.
Le incisioni profonde evocavano il tempo.
Le sovrapposizioni raccontavano la complessità della memoria.
Compresi allora che ogni variazione della superficie modificava il coinvolgimento emotivo di chi osservava.
Per questo motivo non ho mai considerato la texture un semplice effetto decorativo.
È parte del contenuto.
È una forma di scrittura silenziosa.
Ogni rilievo guida la luce.
Ogni ombra modifica la percezione.
Ogni piccolo dettaglio invita l'osservatore ad avvicinarsi, a rallentare, a scoprire ciò che da lontano rimane invisibile.
L'opera non si offre completamente al primo sguardo.
Chiede tempo.
Esattamente come accade nelle relazioni più autentiche.
Superare le regole per trovare autenticità
Ogni sperimentazione portava inevitabilmente con sé anche un'altra scoperta.
Molte delle regole apprese durante la formazione accademica iniziavano lentamente a perdere il loro carattere assoluto.
Non perché fossero sbagliate.
Erano state fondamentali.
Mi avevano insegnato disciplina, metodo e conoscenza tecnica.
Ma arrivò il momento in cui sentii la necessità di andare oltre.
L'autenticità non nasce dalla ripetizione.
Nasce dalla capacità di interrogarsi continuamente.
Così iniziai a mettere in discussione gesti ormai abituali, strumenti tradizionali e procedimenti consolidati.
Ogni nuova prova diventava un'occasione per imparare qualcosa che ancora ignoravo.
La sperimentazione non rappresentava un allontanamento dalla tecnica.
Era, al contrario, il modo più sincero per approfondirla.
Ed è un principio che continua ad accompagnare ancora oggi ogni mio lavoro.
Ogni nuova opera nasce con l'umiltà di chi sa che c'è ancora qualcosa da scoprire.
È questa l’arte che mi cattura. Che mi assorbe e coinvolge appieno. Ed è questa passione,
con le infinite emozioni che l’accompagnano, che ambirei di saper trasmettere. Perché la bellezza vive davvero solo nella condivisione.
Dalla materia alla stampa: un percorso naturale
Ripensando oggi a quella stagione di sperimentazione, mi è chiaro come nulla sia avvenuto per caso.
Ogni prova con il gesso, ogni superficie graffiata e incisa, ogni miscela di materiali, ogni texture scoperta lungo il percorso stava preparando il terreno a ciò che sarebbe arrivato dopo.
Quando incontrai il torchio calcografico, ebbi la sensazione di ritrovare qualcosa che, in realtà, stavo cercando da molti anni.
La pressione esercitata tra matrice e carta non rappresentava una tecnica nuova da imparare. Era la naturale prosecuzione di un dialogo già iniziato con la materia.
Compresi immediatamente che anche nella stampa il protagonista non era soltanto il segno inciso.
Era tutto ciò che quel segno riusciva a trattenere.
La pressione del torchio, le fibre della carta, la profondità della matrice, l'inchiostro che riempiva ogni minima incisione rendevano visibile ciò che fino a quel momento avevo intuito attraverso le superfici materiche.
L'impronta non era semplicemente una riproduzione.
Era una presenza.
Una memoria che si trasferiva da una superficie all'altra senza perdere la propria identità.
Fu allora che molti elementi della mia ricerca iniziarono finalmente a dialogare fra loro.
Il segno, la materia, la memoria e la sperimentazione smisero di essere esperienze separate e diventarono un unico linguaggio.
È proprio da quella consapevolezza che, negli anni, sono nati anche i miei monotipi e monoprint, nei quali continuo ancora oggi a ricercare quell'equilibrio fra controllo e sorpresa che aveva caratterizzato le prime sperimentazioni.
Ogni opera rappresenta un nuovo incontro.
Ogni stampa custodisce qualcosa di irripetibile. Di unico.
Ed è forse proprio questa irripetibilità a ricordarmi che l'arte non consiste nel ripetere un risultato, ma nel continuare ad ascoltare ciò che la materia ha ancora da raccontare.
La ricerca continua
Guardando il mio percorso, nel suo insieme, mi accorgo che ogni fase è nata dalla precedente.
Nulla è stato abbandonato.
Ogni esperienza è rimasta viva, trasformandosi e trovando nuovi significati.
Ancora oggi continuo a lasciarmi guidare dalla curiosità.
Continuo ad ascoltare la risposta dei materiali, delle superfici, delle matrici e della carta.
Continuo a cercare quel dialogo silenzioso che nasce quando il gesto incontra la materia e la materia restituisce qualcosa che non avevo previsto.
Forse è proprio questa la parte più affascinante del fare arte.
Sapere che esiste sempre uno spazio da esplorare.
Uno spazio dove la tecnica incontra l'intuizione.
Dove il tempo diventa memoria.
Dove una semplice superficie può trasformarsi in un racconto capace di parlare a chi osserva.
È una ricerca che non ha mai avuto un punto di arrivo.
Ed è proprio questo a renderla, ancora oggi, così viva.
Condividi il tuo pensiero
Ogni opera nasce da un incontro: con la materia, con il tempo, con la memoria e con le emozioni che ciascuno porta con sé.
Mi piacerebbe conoscere il tuo punto di vista.
Quale dettaglio ti colpisce maggiormente quando osservi una superficie ricca di segni e texture? Quale ricordo o emozione affiora davanti a un'impronta lasciata dal tempo?
Scrivimi un commento oppure contattami direttamente.
📱 WhatsApp: 338 2723286
📧 E-mail: info@saramontani.com
Il dialogo con chi osserva le mie opere è parte integrante del percorso di ricerca e ogni confronto rappresenta un'occasione di crescita e condivisione.